SAISON MOBILE

Saison Mobile est un projet d’identité visuelle conçu pour le Théâtre Le Grand T à Nantes, à l’occasion de sa programmation itinérante. L’enjeu principal était de créer une identité capable d’exprimer le mouvement, la mobilité et la temporalité nocturne propres à une saison qui se déplace dans différents lieux, tout en conservant une forte cohérence graphique.

Le projet a débuté par la conception de l’affiche, pensée comme point de départ de toute la charte graphique. La réflexion s’est articulée autour du thème du mouvement, interprété à travers la lumière des phares de voitures la nuit. Cette piste visuelle évoque à la fois le déplacement, la traversée de la ville, l’attente et l’expérience sensible du spectacle vivant. Les formes lumineuses deviennent ainsi un langage graphique, suggérant le passage, la vitesse et la direction.

À partir de cette affiche fondatrice, j’ai développé une identité visuelle globale, déclinée sur de nombreux supports afin d’assurer une cohérence forte entre les différents points de contact avec le public. La charte graphique a été adaptée à des posts Instagram, une bannière, des cartes de visite, ainsi qu’à plusieurs objets de merchandising (tote bag, t-shirt, autocollants). L’identité a également été pensée pour des supports plus fonctionnels, comme les enveloppes et les billets remis au public lors de l’inscription à un événement, à la manière de tickets de cinéma.

Ce projet explore ainsi la capacité d’une identité visuelle à s’adapter à des formats variés tout en conservant une lecture claire et reconnaissable. L’ensemble vise à créer une expérience graphique cohérente, immersive et immédiatement identifiable, au service de la programmation culturelle du Théâtre Le Grand T.

LA NUIT EUROPÉENNE DES MUSÉES

La Nuit Européenne des Musées est un projet d’identité visuelle imaginé pour l’édition 2024 de l’événement, dans le cadre d’un projet scolaire à l’EDNA. L’objectif était de concevoir une identité capable de promouvoir un événement culturel national, tout en s’adressant à un public large et diversifié, et en valorisant l’expérience nocturne des musées.

Le projet a débuté par une phase de recherche approfondie autour des événements culturels, des musées et de leurs modes de communication. Cette analyse nous a permis d’identifier les enjeux liés à la médiation culturelle, à l’accessibilité des institutions muséales et à l’attractivité d’un événement ponctuel, gratuit et nocturne. À partir de ces recherches, deux axes conceptuels ont été développés, explorant différentes manières de représenter la rencontre entre le public et le musée lors de cette soirée exceptionnelle.

L’axe retenu a ensuite été développé graphiquement afin de construire une identité visuelle cohérente, lisible et identifiable. Le système graphique conçu repose sur une approche modulable, pensée pour s’adapter à différents supports de communication tout en conservant une forte unité visuelle. L’enjeu principal était de créer une identité capable d’exister aussi bien dans l’espace urbain que dans des formats promotionnels et animés.

L’identité a été déclinée sur plusieurs supports, notamment une affiche, des objets de merchandising et une animation publicitaire. Ces déclinaisons permettent d’explorer différentes temporalités de diffusion — avant et pendant l’événement — et de renforcer la visibilité de la Nuit Européenne des Musées 2024. Le projet propose ainsi une vision contemporaine et dynamique de l’événement, cherchant à susciter la curiosité et à encourager la participation du public.

SUGAR RUSH

Ce projet a été réalisé dans le cadre du concours de la Biennale de Chaumont 2025. L’enjeu consistait à interpréter visuellement une œuvre musicale en concevant un objet de graphisme au format libre, capable de traduire les caractéristiques sonores, le rythme et l’atmosphère d’un morceau à travers une proposition graphique cohérente et expressive.

Pour cette interprétation, nous avons choisi le morceau Kasmoe de Kmoe. Ce choix s’est imposé par la richesse et la diversité de ses éléments sonores, ainsi que par son appartenance au genre hyperpop. Marquée par une esthétique électronique et expérimentale, cette musique, née avec l’essor d’Internet, est intimement liée aux nouvelles formes d’expressions numériques. Cet univers sonore a constitué le point de départ de notre réflexion graphique.

Afin de retranscrire l’énergie, la rapidité et l’intensité de la musique, nous avons opté pour un triptyque d’affiches. Ce format nous a permis de traduire les variations du morceau et ses évolutions sonores, tout en proposant une lecture séquentielle. Chaque affiche correspond à une phase distincte de la composition : une introduction douce mais rythmée, une transition plus calme marquée par des notes de piano et des instruments à cordes, puis un « drop » caractérisé par une intensification des effets sonores.

Graphiquement, le projet s’inspire des visuels saturés, colorés et parfois instables propres à l’esthétique hyperpop. Les paroles, volontairement peu nombreuses, ont été intégrées à travers des typographies électroniques et pixellisées, laissant une place importante à l’interprétation et à la sensation plutôt qu’à la narration explicite. Le travail typographique participe ainsi pleinement à la traduction du son en image.

Le thème du mouvement, présent dans les paroles (« When you dance like this, and you move like that »), a guidé le choix de photographies volontairement floues. Ces images évoquent la danse, la vitesse et l’énergie du morceau. Les photographies, prises à l’argentique, ont été recolorisées et retravaillées afin de créer des dégradés texturés à partir de couleurs complémentaires, servant de fond aux compositions. L’ensemble cherche à produire une expérience visuelle immersive, traduisant le caractère dynamique, électronique et sensoriel de la musique.

PETITES ÉTOILES

Ce projet a été réalisé dans le cadre du concours de la Biennale de Chaumont 2025. L’enjeu consistait à interpréter visuellement une œuvre musicale en concevant un objet de graphisme au format libre, capable de traduire les caractéristiques sonores, le rythme et l’atmosphère d’un morceau à travers une proposition graphique cohérente et expressive.

Petites étoiles, grands métiers est un projet qui s’inscrit dans une démarche de recherche, de problématisation et de conception, visant à aboutir à une solution graphique engagée et cohérente autour d’un sujet choisi librement.

Pour ce projet, j’ai choisi de m’intéresser à l’écriture inclusive, et plus largement à la manière dont le langage et le graphisme participent à l’invisibilisation — ou au contraire à la représentation — des femmes et des minorités de genre. En m’appuyant sur des recherches historiques, linguistiques et sociales, le projet interroge le caractère faussement neutre du masculin générique en français, ainsi que ses implications symboliques et cognitives dans la construction des représentations.

La première phase du projet a consisté en un travail de recherche approfondi : histoire de la langue française, analyse des mécanismes de domination linguistique, étude des différentes formes de l’écriture inclusive (féminisation des métiers, écriture épicène, doublons, point médian), ainsi que des entretiens avec des personnes concernées. Ces recherches ont permis de mettre en évidence un enjeu central : le langage est un fait social, porteur de biais cognitifs, et la langue française, majoritairement masculine, contribue à invisibiliser certaines identités.

À partir de cette analyse, une problématique a émergé : Comment représenter les femmes et les minorités de genre dans la communication visuelle ?

J’ai choisi de développer un axe de réponse intitulé « sensibiliser par la narration », en privilégiant une approche douce et pédagogique. Parmi plusieurs pistes explorées, le projet s’est orienté vers la création d’un imagier inclusif destiné aux enfants. Ce choix repose sur la volonté de s’adresser à un public en pleine construction du langage et des représentations, à un âge où l’apprentissage visuel et symbolique est central.

L’imagier Petites étoiles, grands métiers propose une découverte des professions à travers une écriture inclusive et une représentation non stéréotypée. Chaque double page associe un titre simple et une illustration, permettant une lecture accessible et intuitive. Les personnages sont volontairement représentés avec une étoile à la place du visage, afin d’éviter toute assignation de genre, d’origine ou d’apparence, et de laisser à chaque enfant la possibilité de s’identifier librement.

Les choix graphiques reposent sur des couleurs vives et contrastées, issues de camaïeux associés à des couleurs complémentaires, afin de créer un univers visuel attractif et intrigant. Cette approche favorise l’attention du jeune lectorat tout en renforçant l’aspect ludique et onirique du projet. Les titres utilisent l’écriture inclusive de manière factuelle, sans en faire un sujet explicite, dans l’objectif de normaliser ces formes linguistiques par l’habitude visuelle.

Le projet intègre également une réflexion typographique, avec la création d’une typographie originale dessinée à la main puis numérisée, utilisée pour les titres et les textes. Des tests auprès d’enfants et des retours de professionnel·les engagé·es dans les questions d’inclusivité ont permis d’affiner la lisibilité, la narration et la cohérence globale du livre. Un texte explicatif a également été ajouté à destination des adultes, afin d’accompagner la lecture et de contextualiser la démarche.

Petites étoiles, grands métiers se présente ainsi comme un outil pédagogique et graphique, qui utilise le design comme moyen de sensibilisation, en proposant une approche inclusive, accessible et non prescriptive de la langue et des représentations.

NOZAY OMNISPORTS

Dans le cadre d’un projet long à l’EDNA, nous avons travaillé sur la refonte de l’identité visuelle de l’association sportive NOS – Nozay Omnisport, une structure regroupant de nombreuses sections et activités sportives. L’enjeu principal était de créer une identité cohérente et fédératrice, capable de représenter l’ensemble des disciplines tout en renforçant la lisibilité et la reconnaissance de l’association.

Après une phase de recherches autour du monde associatif et sportif (veille terrain, sociale, concurrentielle et artistique), nous avons développé plusieurs pistes créatives. Nous avons choisi de poursuivre un axe basé sur le mouvement, traduit graphiquement par un système de formes géométriques modulaires.

Ce langage visuel permet de créer un lien fort entre toutes les sections de l’association, tout en offrant une grande flexibilité d’usage. Les formes s’assemblent pour évoquer des personnages sportifs en action, donnant naissance à un logo principal ainsi qu’à des déclinaisons spécifiques pour chaque section, tout en conservant une identité globale forte.

L’identité a ensuite été déployée sur l’ensemble des supports de communication de l’association, en print comme en digital, afin d’assurer une cohérence visuelle sur tous les points de contact.

FT88

Ce projet consiste en la conception et la réalisation d’un spécimen typographique éditorial, dédié à la mise en valeur d’une typographie créée par une femme ou une personne non-binaire.

L’objectif était de promouvoir une création typographique souvent invisibilisée, tout en retraçant son contexte de création, son histoire et ses usages, à travers un objet éditorial pensé comme un outil de découverte et de démonstration.

Après avoir sélectionné une typographie répondant à ces critères, j’ai mené un travail de recherche documentaire afin de comprendre la démarche de sa créatrice, ses influences, ainsi que les spécificités formelles de la police. Ces éléments ont ensuite été traduits en contenus éditoriaux (textes, hiérarchie de lecture, démonstrations typographiques).

La mise en page du specimen a été conçue comme un dispositif de lecture et de présentation, permettant à la fois de montrer les qualités graphiques de la typographie et de transmettre les informations nécessaires à sa compréhension.

Le projet inclut également un travail technique d’imposition sur InDesign, en vue de l’impression du livre, intégrant les contraintes liées au format, à la reliure et à la fabrication.

APALA : LIMITES PLANÉTAIRES

Ce projet s’inscrit dans le cadre d’un partenariat fictif avec l’association Apala, autour de la thématique des limites planétaires, concept central des réflexions écologiques contemporaines. L’objectif était de traduire visuellement un sujet scientifique et sociétal complexe à travers un motion design pédagogique, accompagné de supports de communication destinés à promouvoir une conférence sur ce thème.

En amont de la phase de création, le travail a débuté par une immersion théorique approfondie. À partir de textes fournis par des chercheur·euses d’Apala, nous avons étudié les fondements scientifiques, philosophiques et sociologiques du concept des limites planétaires : un cadre qui définit les seuils écologiques à ne pas dépasser pour préserver les équilibres du système Terre. Cette phase d’analyse nous a permis d’identifier les enjeux de vulgarisation et de transmission du message, ainsi que la responsabilité graphique liée à un sujet aussi engagé.

À partir de ces recherches, nous avons mené plusieurs veilles complémentaires (terrain, sociale, conceptuelle et artistique) afin de nourrir nos pistes graphiques. L’enjeu était de trouver un langage visuel capable de rendre ces notions accessibles sans les simplifier à l’excès. Nous avons ainsi développé un système graphique basé sur la visualisation des seuils, des équilibres et des ruptures, traduisant les tensions entre stabilité et dépassement écologique.

Le motion design constitue le cœur du projet. Pensé comme un outil de médiation, il explique progressivement le concept des limites planétaires à travers une narration visuelle claire et rythmée. Les formes, mouvements et transitions accompagnent le propos pour guider la compréhension du spectateur et rendre lisibles des données abstraites. Le motion est complété par des supports imprimés et digitaux (flyers, posts Instagram et LinkedIn), assurant une cohérence graphique globale et une diffusion du message sur différents canaux.

Ce projet met en lumière le rôle du motion design et du graphisme comme outils de sensibilisation, capables de rendre visibles des enjeux écologiques complexes et de favoriser la compréhension et l’engagement du public.

MAGIC

Ce projet consiste en la conception d’un habillage audiovisuel complet pour MAGIC, une chaîne d’information musicale fictive. L’enjeu principal était de créer une identité animée forte et cohérente, capable d’accompagner les contenus de la chaîne tout en affirmant son univers visuel et sonore.

Le travail a débuté par une phase de recherche et d’analyse des codes des chaînes musicales et culturelles, afin d’identifier les éléments récurrents de l’habillage télévisuel : génériques, transitions, cartons informatifs, rythmes de montage et interactions entre son et image. Cette étape nous a permis de définir les attentes en termes de lisibilité, de dynamisme et de continuité visuelle à l’antenne.

À partir de ces observations, nous avons développé un système graphique animé pensé comme une boîte à outils modulable. L’habillage repose sur des éléments visuels récurrents, des mouvements rythmés et des transitions fluides, conçus pour s’adapter à différents formats et durées de diffusion. Le mouvement joue un rôle central : il structure l’information, guide le regard du spectateur et renforce le lien entre image et musique.

Le projet comprend la création d’un générique, de transitions, ainsi que de cartons et éléments animés, formant un ensemble cohérent destiné à habiller l’intégralité de la chaîne. L’identité animée a été pensée pour être reconnaissable, dynamique et évolutive, tout en restant fonctionnelle et lisible dans un contexte de diffusion continue.

Ce projet explore ainsi les enjeux de l’habillage audiovisuel comme outil de narration visuelle et d’identité de chaîne, à la croisée du motion design, du rythme musical et de la communication audiovisuelle.

45 SECONDS RIDE

45 Seconds Ride est un projet d’animation centré sur l’expérimentation de la rotoscopie comme technique de création visuelle et narrative. La rotoscopie est un procédé d’animation qui consiste à redessiner image par image par-dessus une vidéo filmée, afin de transformer un mouvement réel en animation tout en conservant sa fluidité et son réalisme.

Le projet débute par le choix d’un sport comme point de départ. J’ai choisi le skate, pour la richesse de ses mouvements, la liberté des gestes et l’énergie visuelle qu’il dégage. À partir de plans vidéo existants, j’ai d’abord réalisé un montage dynamique, construit et rythmé sur une musique, afin de poser une base narrative et temporelle claire.

Une fois le montage finalisé, la vidéo a été entièrement rotoscopée image par image. Ce travail minutieux m’a permis d’explorer la transformation du mouvement réel en animation, tout en accentuant certaines postures, trajectoires et dynamiques propres au skate. Des transitions animées ont également été intégrées lors des changements de plans, afin de renforcer la continuité visuelle et d’éviter une rupture trop brutale entre les séquences.

Le projet met en avant une direction artistique épurée et énergique, au service du mouvement et du rythme. L’accent est mis sur la relation entre image, animation et musique, ainsi que sur la compréhension technique et expressive de la rotoscopie. 45 Seconds Ride est ainsi une exploration du mouvement comme langage graphique, à la frontière entre vidéo, animation et illustration.